Die GEMA hat unlängst die Anzahl der Konzerte und Besucher:innen aufgrund ihrer Geschäftszahlen im Tarif U-K („Unterhaltungsmusik“) ausgewertet und veröffentlicht.
Dies führte bei weniger seriösen Medien zu Schlagzeilen wie „Zuschauer- und Konzertezahl übertrifft Vor-Corona-Lage“ oder, wie GEMA-Direktor Seitz postuliert: „Die Konzertbranche ist nach den tiefen Einschnitten der Pandemie wieder auf Wachstumskurs“.
Wachstum, immer Wachstum, wir steigern das Bruttosozialprodukt…
 
Wenn man sich die Zahlen jedoch genauer anschaut, sieht die Lage komplizierter aus; die „FAZ“ hat das Konzertgeschäft auf einer halben Druckseite genau aufgedröselt:
Dort ist der Konzernumsatz der beiden weltweiten Branchenriesen aufgeführt: Live Nation erzielte im Jahr 2025 einen Umsatz von 25,2 Milliarden Dollar (Marktkapitalisierung zum 24.7.26: 41,74 Mrd. $!), CTS Eventim immerhin 3,08 Milliarden Euro (Marktkapitalisierung zum 24.7.26: 5,80 Mrd. €).
Klar ist: „Der Umsatz der Live-Branche steigt in Deutschland und global.“
In Deutschland haben sich im Jahr 2025 insgesamt 74,32 Millionen Fans auf 267.006 Konzerte verteilt – tatsächlich mehr als im letzten Jahr vor der Coronära (2019: 69,21 Mio. Fans auf 263.008 Konzerten).
 
Die wirklich spannenden Zahlen ergeben sich jedoch aus der Statistik der Konzerte und Besucher:innen nach Veranstaltungsgröße:

Quelle: FAZ vom 27.7.2026, nach GEMA-Zahlen; Grafik: jbel.
 
Sage und schreibe rund 90 Prozent aller Konzerte in Deutschland finden in Clubs und kleineren Venues bis zu 500 Besucher:innen statt. Und immerhin fast 30 Millionen Fans haben diese Konzerte letztes Jahr besucht.
Vor allem aber – und das wissen alle Veranstalter:innen und Club-, Venue- und Kulturzentrums-Betreiber:innen: Die Zahl der Besucher:innen in Spielstätten unter 500 Fans ist gegenüber der Vor-Pandemie-Zahl um 5,7 Prozent zurückgegangen.
Die Clubs, Venues und unabhängigen Veranstalter:innen bemühen sich also nach wie vor intensiv darum, die Vielfalt von Konzerten zu erhalten – der Preis allerdings ist hoch. Für viele zu hoch, besonders angesichts deutlich gestiegener Kosten bei gleichbleibend eher niedrigen Ticketpreisen in diesem Sektor.
 
Die kulturelle Vielfalt unserer Gesellschaft und die kulturelle Teilhabe wird in den Clubs, den kleinen Venues und Kulturzentren gelebt. Die Großkonzerte bilden nicht die kulturelle Vielfalt der Gesellschaft ab – sie stellen höchstens ein Problem für die kulturelle Teilhabe dar, weil sich viele Menschen die immens teuren Tickets gar nicht mehr leisten können.
 
In einem Vortrag auf der Zürcher m4music-Konferenz habe ich 2012, also vor über 14 Jahren, bereits auf diese Diskrepanz hingewiesen:
 
„Auf der einen Seite: Die Umsatzexplosion der Konzertindustrie betrifft hauptsächlich die großen Namen – die Stadionkonzerte, die Konzerte in den großen Hallen. (...) 
Denn auf der anderen Seite kann man festhalten: Es gibt, neben vielen Erfolgen, auch eine gewisse Stagnation gerade bei den kleineren Konzerten. (...) Der Realeinkommensverlust kleiner Bands bedeutet im Klartext, dass Musiker in der Anfangsphase ihrer Karriere heute mehr denn je in ihre Tourneen investieren müssen, und dass Künstler, Tournee- und örtliche Veranstalter häufiger als früher bei Clubtourneen Geld verlieren, zumal gleichzeitig auch die Eintrittspreise im Clubsegment stagnieren.“
 
Wir können es nicht oft genug fordern:
Wir benötigen eine strukturelle Förderung der Clubkultur! Wir benötigen einen gesetzlichen Kulturraumschutz! Und wir benötigen eine Ticketabgabe, die von den Superprofiten der Ticketing-Konzerne solidarisch zugunsten der kleineren Spielstätten finanziert wird!
 

Die Bright Eyes werden im Herbst auf ausgedehnte USA-Tour gehen.
Mit dabei als Support-Act: Lullaby For The Working Class!
 
Diese Band mit dem sprechenden Namen wurde 1994 von Mike Mogis und Ted Stevens (Cursive, Mayday) gegründet. Lassen wir Mike Mogis, der seit ca. 2000 Bandmitglied von Bright Eyes ist (die einige Male selbst Support-Act von Lullaby For The Working Class waren), selbst erzählen:
 
„Lullaby for the Working Class was the band I was in before Bright Eyes. Ted Stevens (Cursive, Mayday) and I started the band as an experiment to try and make more folk-based music with all acoustic instruments. Up until that point we had only really played in loud punk and rock bands so it was an entirely new approach and a new world for us.
 
I learned so much from my time with Ted and Lullaby, both as a musician and engineer/producer, that I would go on to employ heavily when I started working with this weird, little kid who Ted was friends with named Conor. We also took Conor on some of the earliest Bright Eyes tours opening for Lullaby and us acting as his backing band.
 
And when we started recording and needed some trumpet on our first records, which were the Consolation EP and Blanket Warm, I heard about this high school kid Nate Walcott and got his number from a mutual friend. He ended up playing on all our records and going on some tours with us. I have great memories of us all piled into our old Chevy Transvan driving around the country playing anywhere that would have us.
 
We also went on a really long tour of Europe, in the fall of 1997, and that was the first time any of us had been there. Back then everything was strange, new and exciting.
 
Lullaby ran its course and I went on to play in Bright Eyes full time (along with Nate eventually) and Ted joined Cursive and continued making his own records in Mayday and other projects. We reunited once in 2010 when Conor organized the Concert for Equality in Omaha to fight against a racist anti immigration law that had passed in Nebraska. That is the only time we played this century!“
 
Und warum steht das hier in diesem Rundbrief?
Klar: Weil ich Europaagent von Lullaby For The Working Class war – die „really long tour“, die sie 1997 gespielt haben. Ich hatte die Band 1996 bei der SXSW in Austin gesehen – sie galten damals als „really hot shit“ und haben ein ausverkauftes Showcase in einem kleinen Club namens „Hole in the Wall“ gespielt, der tatsächlich genau das war, mit einer ellenlangen Schlange davor. 
Ihr Sound war einmalig, das, was später „Americana“ genannt wurde, hat sich gerade erst entwickelt. Aber ihre Musik war wunderbar, und das galt auch für ihre inspirierten Konzerte (und dass Mike und Ted außerdem noch sehr freundliche und interessante Menschen sind, machte die Zusammenarbeit umso angenehmer).
 
Ich habe mir jetzt nochmal ihre beiden Alben angehört, „Blanket Warm“ und „I Never Even Asked for Light“ (beide auf Bar/None), und sie gehören immer noch zum Besten, was ich aus dem Genre kenne.

Those were the days of wine and roses… 
Lullaby For The Working Class gehören zu den Bands, die mir in meiner nun über 38-jährigen Agenturgeschichte besonders wichtig waren.
 

„Scheiße ihr spinnt doch alle!“ 
Mellie, 10 Jahre, in „Everytime“ von Sandra Wollner

In seinem Haushaltsentwurf für den Bundeskulturhaushalt 2027 hat Wolfgang Weimer den Rotstift angesetzt. Die Initiative Musik soll demnach mit knapp 22 Prozent weniger auskommen als bisher. Wenn das „German Haus“ bei der SXSW nächstes Jahr nicht mehr finanziert werden kann, weinen wir dem keine Tränen nach. Aber es ist zu befürchten, dass die Almosen, die Musiker:innen, Plattenfirmen, Clubs und Veranstalter bisher aus den Mitteln der Initiative Musik erhalten, drastisch gekürzt werden.
Gleichzeitig plant der Kulturstaatsminister auch, den Festival-Förder-Fonds auf zwei Millionen Euro zu halbieren. Der Amateurmusikfonds soll 1,6 Millionen Euro weniger bekommen, und auch der Posten „Einzelprojekte Musik“ wird um mehr als eine Million Euro zusammengestrichen.
 
Der Kulturkämpfer Weimer ist kein Freund der Popkultur, soviel steht fest.
Dafür ist er ein Bayreuth-Fan: Die Bayreuther Festspiele sollen als eine der wenigen Kulturinstitutionen eine deutliche Erhöhung ihrer Zuschüsse um etwa eine Million Euro erhalten auf dann 5,267 Mio. €. Bayreuth erhält also mehr als der ganze Festival-Förder- sowie der Amateurmusikfonds zusammen. Bayreuth ist laut Weimer eben „die Krönung der Musik“.
 
Der Kulturstaatsminister warf sich im Vorfeld der Bayreuther Festspiele schon mal für die renommierte Kulturfachzeitschrift „Bunte“ in Pose:

(Quelle: BUNTE, 23.7.2026)
 
(unpopular Opinion: Dass der mit Abstand bestgepamperte Branchentreff hierzulande, das Reeperbahn-Festival, statt 6,275 Millionen „nur“ noch 3 Millionen Fördergelder bekommen soll, dürfte angesichts der üppigen Subventionen durch EU und Hamburger Senat zu verschmerzen sein)
 

Was haben der über die Maßen geschätzte Popkritiker Jens Balzer und der ebenfalls sehr geschätzte US-amerikanische Analyst und Kritiker Bob Lefsetz gemeinsam? Ihre ein bisschen schwer zu verstehende Sympathie für eine Hannoveraner Rockband:
„Den Scorpions gehört die Zukunft.“ (Jens Balzer)
„Klaus Meine is intelligent and articulate.“ (Bob Lefsetz)
 

Bundeskanzler Merz hat unmittelbar nach dem Ausscheiden des DFB-Teams Einsichten getweetet, die er für sich allein hat:

 (und nein, das ist kein Parodie-Account, der hat das ernst gemeint…)
Man fragt sich bloß, warum der Kanzler nicht wie sonst bei jeder sich bietenden Gelegenheit auch die Leistungsverweigerung der Spieler gegeißelt hat und deren Vier-Spiele-Mentalität…
 
P.S. 

„Ich mache niemandem aus der Mannschaft einen Vorwurf, ich möchte auch nicht für Deutschland kämpfen.“ (El Hotzo)
 

Apropos sogenannter Vinyl-Boom:
„One thing that isn’t booming, though, is vinyl“, schreibt der britische „The Guardian“ in einem Bericht über Indie-Labels und zitiert Insider, nämlich führende Vertreter:innen etablierter Indie-Firmen:
“You read that stream­ing is des­troy­ing the music industry and artists are strug­gling to make a liv­ing, but it’s 80% of our profit,” sagt zum Beispiel Bradley Zero vom Londoner Rhythm Section-Label in dem Artikel. “You can sell a record for £15 to £20, but you have to make at least 300 – and if you only sell 100, you’ve lost about two-and-a-half grand.”
 
Und Megan Jasper vom legendären Sub Pop-Label ergänzt, dass Sub Pop’s Vinyl-Verkäufe zwar “strong and stable” seien, schränkt aber ein: “It was a quarter of our rev­enue last year, but we’re not see­ing it grow. Con­ver­sa­tions are now about whether vinyl makes sense, so we don’t do it for every artist.”
 
Und beim Label Melodic aus Manchester (WH Lung, the Sound­car­ri­ers, Straw­berry Guy) summieren sich die Anteile der Einnahmen aus dem Streaming auf 82%, während der Anteil von physischen Produkten (also LPs und CDs) gerade einmal 5.5% ausmacht.
 
Aber klar, es kann nicht sein, was nicht sein darf: Die Narration „Streaming ist der Feind, Streaming ist böse, Streaming killt die Musikindustrie“ wird unbeirrt aufrechterhalten…