Hübsch, wie sich alle Manager:innen und Akteur:innen der Musikindustrie anlässlich des 30jährigen Jubiläums der „Musikwoche“ tief vor dem Branchenblatt verbeugen – in dem die Akteur:innen sicher auch künftig ihre Produkte anpreisen und selbst in allerlei Fotos vorkommen wollen und werden.
Dass die „Musikwoche“ im Vergleich zu kompetent analysierenden, Hintergründe ausleuchtenden und journalistischen internationalen Magazinen (zum Beispiel „Musik Business International“) eher als Vereinsblättchen der deutschen Musikindustrie daherkommt, das brav die Presseerklärungen der Musikindustrie abdruckt, ist vermutlich mehr der deutschen Musikindustrie zu verundanken als den Leuten, die mit einem eingebundenen Vereinsblättchen, das von den Abos und Anzeigen der Musikindustrie lebt, ein wenig Profit vom Kuchen der Musikindustrie abhaben wollen. Und ja, es gibt hin und wieder auch gute Interviews und interessante Beiträge in der „Musikwoche“, etwa von Knut Schlinger. Aber eben selten. Sehr selten. Wie dann aber all die Gratulant:innen das großflächige Abschreiben von Presseerklärungen der Musikindustrie zu einem „objektiven“, „unabhängigen“ (selten so gelacht…), „vielfältigen“, „kompetenten“, „großartigen“ usw. Journalismus hochjazzen, ist schon ein besonders skurriles Leckerli der an Absurditäten und Skurrilitäten nicht eben armen hiesigen Musikindustrie…

Der Filmemacher Robert Rodriguez über seine Zeit an der Filmhochschule der Universität von Texas (lässt sich auch über praktisch jedes Popmusik-Studium sagen…), in einem tollen Interview mit Maria Wiesner im „FAZ“-Feuilleton:
 
„Das ist eine große Uni, und das Filmdepartment war damals klein, die haben nur 30 Leute angenommen, und es ging nach Notenschnitt. Nur sind diese Leute nicht zwangsläufig die besten Filmemacher. Die hatten zwar gute Noten, wollten aber nur aus Spaß ein bisschen Film studieren, ohne Ambitionen in dem Fach. Und ich kam mit meinem Schnitt nicht rein, habe aber in einem Kurzfilmwettbewerb gegen diese Studenten gewonnen. Also bin ich mit meinem Gewinnerfilm zum Professor gegangen, und er hat mich dann zugelassen. Ich wollte eigentlich nur hinein, um deren Filmkameras zu benutzen. Das war dann aber eine große Enttäuschung, sie hatten total altes Material, als stamme es noch aus dem Zweiten Weltkrieg. Das hätte ich auch mit 50 Dollar zusammenbekommen. In dem Sommer habe ich dann den Film „El Mariachi“ gemacht und bin gar nicht mehr in die Filmschule ­gegangen, weil ich festgestellt hatte, dass sie mir eigentlich nichts mehr beibringen können.“
 
Aber woher kam das Geld für seinen ersten Film?
 
„Ich bin eines von zehn Kindern, von meinen Eltern konnte ich keine Zuschüsse erwarten. Um für die Filmschule und mein Apartment aufkommen zu können, hatte ich schon zwei Jobs angenommen. Da blieb aber nichts für das Filmen übrig, also habe ich Medikamententests gemacht. Ich habe mir Löcher in die Arme schneiden lassen, um ein Mittel zur schnellen Wundheilung zu testen. Dafür lag ich sieben Tage im Krankenhaus, habe Untersuchungen an diesen Stellen über mich ergehen lassen und dafür 2000 Dollar bekommen. Damals war das viel Geld. Mit ein paar solcher Tests hatte ich die Mittel für den Film zusammen.“
 
Und sein Ratschlag für junge Filmemacher:innen:
 
„Kreatives Problemlösen ist die Kernfähigkeit, die man lernen muss. Dann gelingt das.“
 
Guter Mann!

Ich weiß ja nicht, was die Leute immer gegen KI haben. Ich finde, Künstliche Intelligenz hat ein paar unbestreitbare Vorteile.
Mehr als 90 Prozent des ganzen Charts-Krams und des Zeugs, was unsere Radiosender so als „Musik“ ausstrahlen, könnte von einer KI mindestens genauso gut, mit großer Wahrscheinlichkeit sogar besser geschrieben werden. Einfach das Urheberrecht ändern und für KI-Musik keine Honorare und keine GEMA bezahlen, und schwupps, haben wir ne Menge Geld gespart, das wir dann gerne den wirklich guten Musiker:innen und jungen und neuen Acts auszahlen werden.
Oder nehmen wir so üble Jungtüchtigen-„Berufe“ wie Influencer:innen oder Immobilien“entwickler“. Allein schon diese „Berufs“bezeichnungen für Werbeclowns und Immobilienhaie! Aber deren Job kann mit Erfolg eine KI übernehmen – und die arbeitslos gewordenen Influencer:innen oder Immobilienentwickler treffen wir dann heulend und wehklagend am Wegesrand an und gehen mitleidlos an ihnen vorbei.
 

Was ist los im Festival-Business?
Es hagelt Absagen, manche Festivals greifen zu Verzweiflungstaten und bieten ihre Tickets mit bis zu 30% Rabatt an, andere gehen pleite, und von vielen Festivals hört man atemberaubend schlechte Zuschauer:innen-Zahlen.
Beispiel Tempelhof Festival in Berlin, das FKP Scorpio im Jahr 2022 gewissermaßen als das Gegenstück zum Berliner Lollapalooza (mittlerweile zu Live Nation gehörend) gegründet hatte und das mit 30.000 Zuschauer:innen pro Tag durchaus erfolgreich war.
Für 2023 mussten die Veranstalter das Festival jedoch absagen, weil der Flughafen für Notunterkünfte im Zuge des Krieges in der Ukraine benötigt wurde. Stattdessen hatten die Veranstalter eine kleinere Ersatzveranstaltung in der Waldbühne steigen: „Tempelhof Sounds Presents“, mit Bon Iver, Fever Ray und Holly Humberstone. Doch dieses Konzert wurde etwa sechs Wochen vorher ebenfalls abgesagt – aus „produktionstechnischen Gründen“, wie die Veranstalter bekanntgaben.
„Produktionstechnische Gründe“, really?!? Awcmon. Wollt ihr uns wirklich verklickern (bzw. vergackeiern), dass der vermutlich größte Festivalveranstalter Europas erst wenige Wochen vor dem Event feststellt, dass er eine seit Monaten intensiv beworbene Konzert-Produktion in Wahrheit gar nicht wuppen kann?
„Lange haben wir überlegt und alles in unserer Macht Stehende versucht“, lassen FKP Scorpio und der lokale Partner Loft Concerts wissen.
Oder lag es eher an schlechtem Ticketverkauf, dass „Tempelhof Sounds Presents“ so kurzfristig abgesagt werden musste…?
 
Oder nehmen wir das Doppelfestival Rock am Ring/Rock im Park, das vermutlich größte kommerzielle Rock-Festival in Deutschland. Deren Veranstalter, eine „eventimpresents GmbH & Co. KG“ (laut Impressum der Website) bzw. die Firma „Dreamhaus“, beide Töchter des CTS Eventim-Konzerns, bot in der zweiten Mai-Woche, also knapp drei Wochen vor dem Festival, in einem „Deal der Woche“ Karten mit „bis zu 30% Rabatt“ an – also wie beim billigen Jakob. Some call it „Verzweiflungstat“ – und die vielen tausend Fans, die bis dahin den vollen Preis für ihre Tickets bezahlt haben, werden sich, genau, vergackeiert fühlen. So baut man ein Vertrauensverhältnis zu seinen Kunden auf.

Aber klar, die beiden Festivals blieben deutlich unter den Erwartungen: Laut „Spiegel“ kamen bei Rock am Ring 20.000 und bei Rock im Park 15.000 weniger Besuicher:innen als im Vorjahr. Macht einen Verlust in Höhe von 35.000 mal 300 Euro – puh…
 
Live Nation hat das Download Germany Festival, das am 23./24. Juni auf dem Hockenheimring geplant war, gleich ganz abgesagt – dreieinhalb Wochen, bevor es stattfinden sollte! Angeblich, siehe oben, wegen „produktionstechnischer Hindernisse“. Also, der weltgrößte Live-Konzern stellt dreieinhalb Wochen vorher fest, dass man ein Festival doch nicht produzieren kann? Schlechter Scherz. Aber es ist natürlich interessant, wenn man sich vor Augen hält, dass es für Live Nation wohl „günstiger“ oder jedenfalls weniger teuer war, das Festival, zu dem bei seiner Premiere 2022 noch 70.000 Fans gekommen waren, ganz abzusagen, als es mit geringerer Zuschauerzahl durchzuziehen. Denn im Fall einer Absage kommen auf Festival-Veranstalter ja beträchtliche Kosten zu – die Künstlergagen sind trotzdem zu zahlen, die Dienstleister etc. pp.
 
Wie es mit dem Berliner Lollapalooza Festival im September aussieht, kann man derzeit noch nicht abschätzen. Die Veranstalter veröffentlichen keine Zahlen, nur soviel: man habe derzeit einen besseren Vorverkauf als im Vorjahr. Nur: es ist ein offenes Geheimnis in der Branche, dass das Berliner Lollapalooza 2022 ziemlich gefloppt ist, ein besserer Vorverkauf als letztes Jahr bedeutet also nicht allzuviel. Und das diesjährige LineUp ist, nun ja, sagen wir mal: etwas merkwürdig und lässt Festival-Profis wenig an einen Erfolg glauben.
 
Und weniger als vier Wochen vor dem Festival musste die DEAG mitteilen, dass ihr Münchner Rock Antenne Open Air abgesagt werden muss. Wenigstens ist die DEAG ehrlich: „Weil zu wenig Tickets verkauft wurden“ („Musikwoche“)…
 
Die LiveKomm hat dieser Tage eine Blitzumfrage unter deutschen Festival-Veranstaltern gestartet, an der 57 Festivals teilnahmen. Ergebnis: „Ein Drittel betrachtet ihre Festivals als gefährdet“ („Musikwoche“), 48 Prozent können dies für 2024 noch nicht sagen – bedeutet, dass vor allem viele kleinere und mittlere Festivals, die häufig von gemeinnützigen Vereinen organisiert werden, ihre Zukunft gefährdet sehen. Und das sind häufig gerade die interessanten Festivals, bei denen auch mal Newcomer-Acts auftreten und spannende, kleinere Bands, Festivals, bei denen es eine intensive Fan-Anbindung gibt – Festivals, die wichtig für die kulturelle Vielfalt in unserer Gesellschaft sind.
 
Solche Sorgen hat Folkert Koopmans, der CEO der zum Eventim-Konzern gehörenden FKP Scorpio, jedenfalls nicht, wenn es um die von ihm veranstalteten Hurricane und Southside geht. Beide Festivals waren dieses Jahr praktisch ausverkauft, und gerade erleben sie einen „Vorverkaufsstartrekord“ mit einem „Rekordabsatz“ in der ersten Vorverkaufswoche.

Das war schon ein lustiger Prozess um Ed Sheeran, dem finanziell erfolgreichsten Live-Act aller Zeiten (laut „Billboard“ war seine 2018/2019-Tour die Tournee mit dem größten Umsatz und den höchsten Zuschauerzahlen in der Geschichte: 776,4 Millionen US-$ Einnahmen bei 8,88 Millionen verkaufter Tickets), und den Vorwurf, dass er mit seinem Hit „Thinking Out Loud“ aus dem Jahr 2014 von Marvin Gayes Klassiker „Let’s Get It On“ abgekupfert haben soll.
Die Geschworenen in Manhattan stellten letztlich fest, dass die Erben von Ed Townsend, der zusammen mit Marvin Gaye den Soulklassiker geschrieben hat, nicht bewiesen hätten, dass Sheeran, sein Label Warner Music Group und sein Musikverlag ihre Urheberrechte an dem Gaye-Song verletzt hätten.
Interessant ist die Verteidigungsstrategie Sheerans und seiner Anwälte: Sie sagten, dass die beanstandete Akkordfolge des Sheeran-Songs „ein grundlegender Baustein der Popmusik sei, der nicht urheberrechtlich geschützt werden könne“ („Spiegel“). Und Gaye und Townsend seien beileibe nicht die Ersten gewesen, die diese Akkordfolge genutzt hätten.
Soweit so gut. Dass die Popmusik sich einer mehrere Jahrhunderte alter Harmonik und Melodien und banaler 4/4- und, seltener, 3/4-Takte bedient, ist ja nun wahrlich eine Tatsache. Genauso wie es eine Tatsache ist, dass die meisten Akkorde, Tonfolgen und Melodien eben abgekupfert sind, und meistens von Musik, die um einiges älter ist als das geltende Urheberrecht. Denken wir an das Motiv aus dem ersten Satz von Bruckners Fünfter Sinfonie in B-Dur, diese Folge von sechs Tönen, die Fußballfans in aller Welt in den Stadien singen und dabei denken, sie stamme von den White Stripes und ihrem Song „Seven Nation Army“. Oder Ennio Morricones Titelmelodie aus „Spiel mir das Lied vom Tod“, für das der italienische Komponist Melodik und Harmonie aus Smetanas „Aus Böhmens Hain und Flur“ übernommen hat. Und die Titelmusik aus den Miss Marple-Filmen klingt verdächtig nach Mozarts Rondo für Klavier und Orchester KV 386. Oder: Die Melodie von Paul McCartney’s „Yesterday“ ist nun mal ein Destillat aus Ray Charles‘ Version von Hoagy Carmichaels „Georgia on my mind“ und Nat King Coles‘ „Answer me my love“.
Überhaupt die Beatles! Paul McCartney hat ja 1982 in einem berühmten Interview mit dem Playboy zugegeben: „Oh, yeah. We were the biggest nickers in town. Plagiarists extraordinaires.“
Es ist nun mal so: Jede kulturelle Leistung baut auf einer vorhergegangenen auf, und das gilt natürlich erst recht dann, wenn die aktuelle Musik sich eines seit über 300 Jahren bestehenden Kanons bedient. Da hat Ed Sheeran ganz recht: Viele Akkordfolgen und Melodien sind „ein grundlegender Baustein der Popmusik“ und können „nicht urheberrechtlich geschützt werden“.
Gut gebrüllt, wuschelköpfige Schneeflocke! Nur: warum lässt Du denn dann Deine ganzen Songs urheberrechtlich schützen?
Denn hier liegt doch das eigentliche Problem: Wenn schon eine Tonfolge von nur wenigen Tönen urheberrechtlich geschützt ist, die Komponist:innen sich gleichzeitig aber lediglich einer sehr überschaubaren Menge an Tönen (acht bis zwölf) und Akkorden (letztlich die drei der Kadenz, plus mitunter eines Septakkords) bedienen, liegt auf der Hand, dass es nur ein begrenztes Reportoire an möglichen Melodien, Ton- und Akkordfolgen geben kann. Und daran kann, darf und sollte es keine Eigentumsrechte geben.
Nam June Paiks Erkenntnis, „dass es in der bildenden Kunst nichts an Material gibt, das man nicht benutzen kann“, gilt uneingeschränkt auch für die Musik.
Also völlig okay, dass das Gericht die Klage gegen Ed Sheerans vermeintliche Plagiate abgewiesen hat. Genauso okay und notwendig wäre es aber gewesen, wenn das Gericht dem Musiker erklärt hätte, dass er selbst auch kein Recht an diesen schon seit Jahrzehnten von etlichen Musiker:innen verwendeten Akkordfolgen hat.
So oder so ist es schade, dass Ed Sheeran den Prozess nicht verloren hat. Für den Fall einer Niederlage nämlich hatte der Musiker sein Karriere-Ende angekündigt und angedroht, aufzuhören, Musik zu produzieren…

Es ist eine Weisheit der Marke Binsen: Im Konzertbereich besteht ein gigantischer Fachkräftemangel.
Und das gilt, Überraschung!, vor allem für die bisher denkbar schlecht bezahlten Arbeiter:innen, all die Stagehands, Roadies, Techs, Security- und Cateringkräfte, Aufbauhelfer:innen, also all die, die für das Gelingen eines Konzerts essentiell sind, die aber nicht im Licht stehen, sondern im Dunkel hinter den Bühnen und die man bisher kaum je wahrgenommen hat. Doch viele dieser Arbeitskräfte haben während der CoronÄra festgestellt, dass sie anderswo besser bezahlt werden, auch während Urlaubszeiten oder an Wochenenden, dass sie dort in aller Regel mehr soziale Sicherheit genießen (die Segnungen einer Festanstellung statt des „Auf Zuruf“-Geschäfts im Konzertgeschäft) und geregelte Arbeitszeiten haben. Die meisten dieser Arbeiter:innen wird nicht mehr in die Konzertwirtschaft zurückkehren, und wer wollte es ihnen verdenken.
Die Reaktion vieler Veranstalter und Dienstleistungs-Firmen lässt tief blicken: Sie wollen ihre freien Mitarbeiter:innen gerne weiterhin schlecht bezahlen. In Gremien der Veranstaltungswirtschaft war in den letzten Monaten immer wieder zu hören: Es muss Ausnahmeregelungen in Sachen Mindestlohn geben – so, als ob Konzerte nur mit Ausbeutung finanzierbar wären. Weite Teile der Branche haben den Schuss noch nicht gehört.
Es wird höchste Zeit, dass die meist soloselbständig tätigen Arbeitskräfte endlich angemessen bezahlt und fair behandelt werden! Allerdings, liebe Fans, das bedeutet auch: Die Ticketpreise müssen erhöht werden! Ich weiß, das ist unpopulär, aber ihr könnt einfach nicht erwarten, dass Konzerttickets für Clubkonzerte unter 30 Euro dafür sorgen, dass die Arbeitskräfte in den Clubs fair bezahlt werden – das funktioniert einfach nicht mehr. Genauso, wie ein Preis von 0,99 Euro für eine Tafel Schokolade nur durch Kinderarbeit und Ausbeutung in den Kakao-Plantagen möglich ist.
Was aber tut die Branche? Statt für Transparenz zu sorgen, statt offenzulegen, wie höhere Personalkosten (und, ja, auch die Inflation vielen anderen Bereichen, von Energie bis Catering) die Ticketpreise beeinflussen und wie eine seriöse Kalkulation funktioniert, kämpfen sie gegen Mindestlohn und soziale Absicherung. Um gleichzeitig bei ihren staatlich heftig subventionierten Musikkonferenzen „Recruiting Days“ oder „Job Festivals“ anzubieten, an denen sich „Unternehmen und Jobsuchende kennenlernen können“. An diesen Musikkonferenzen dürften auch tatsächlich und unbedingt vor allem Menschen teilnehmen, die bereit sind, sich für wenig Geld und zu schlechten Arbeitszeiten als Roadies, Securities oder Aufbauhelfer:innen den Popo abzuarbeiten…

“Capitalism is the most barbaric of all religions.”
(The Pop Group, 1981 – R.I.P. Mark Stewart!)